Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo, denominado por algunos como «boterismo», el cual impregna de una identidad inconfundible a las iconográficas obras, reconocibles no solo por la crítica especializada, sino también por el gran público, incluyendo niños y adultos por igual, constituyéndose en una de las principales manifestaciones del arte contemporáneo a nivel global; la original interpretación que da el artista a un variopinto espectro de temas se caracteriza desde lo plástico por una volumetría exaltada que impregna a las creaciones de un carácter tridimensional, así como de fuerza, exuberancia y sensualidad, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamentepodría encuadrarse en los años cuarenta en occidente aplicada a tramas que pueden ser actuales o pretéritas, locales pero con vocación universal (mitología griega y romana; el amor, costumbres, vida cotidiana, naturaleza, paisajes, muerte, violencia, mujer, sexo, religión y política en Latinoamérica y Europa occidental, así como bodegones, reinterpretación de obras clásicas, retratos y autorretratos, entre otras), representadas con un uso vivaz y magistral (desde el punto de vista técnico) del color, acompañadas de finos y sutiles detalles de crítica mordaz e ironía en cada obra. Es considerado el artista latinoamericano vivo más cotizado actualmente del mundo.
Alejandro Obregón
El arte colombiano conoció a Alejandro Obregón, gracias a su participación en el V Salón Nacional de Artistas de Colombia en 1944 con las pinturas al óleo como "Retrato de pintor", "Niña con jarro" y "Naturaleza muerta". Su incursión fue recibida con las mejores críticas de la prensa local, que sin dudarlo, calificó su trabajo como un “expresionismo romántico”.
A partir de 1944 surge Obregón como un pintor particular del arte moderno Colombiano porque no propone un alarde a los elementos propios de la modernidad optimista, como el progreso, el culto a la tecnología o el ímpetu por el manejo de materiales industriales. Obregón buscaba la naturaleza y la cultura colombiana como parte central de su obra plástica.
En sus obras fusionaba elementos abstractos y figurativos, como una forma de revelarse contra los purismos modernistas. En su trabajo, en ningún momento se percibe repudio a la figura en sí misma, sino a una figuración que se considera narrativa y literal; que se representa en vez de expresar o simbolizar.
Obregón tuvo posteriormente una fuerte influencia de Picasso, como sucede en su obra "Masacre del 10 de abril", luego de su viaje a París, dejará en él una inquietud por las figuras geometrizantes como "Gato comido por pájaro".
En 1954 conoce a la pintora inglesa Freda Sargent, con quien se casó en Panamá. Ese mismo año conoce en París al pintor español Pablo Picasso.
Ómar Rayo
fue un reconocido y famoso pintor colombiano. Inició su carrera artística como caricaturista dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali y Bogotá. Desde 1948 expuso varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia. En 1954 comenzó a viajar por América Latinapara estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y se radicó en Nueva York por aproximadamente diez años. En 1970 obtuvo el primer puesto del Salón Nacional de Artistas de Colombia.
En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto austriaco Leopoldo Goout. Se exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes gráficas.
La obra de Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto. Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.1
Realizó más de 200 exposiciones en Japón, Hungría, Polonia, Alemania, Noruega, Francia, España, Italia, Estados Unidos, Colombia, Costa Rica, Puerto Rico, México, Venezuela, Ecuador, Perú, Chile, Brasil, China.1
El 20 de enero de 2012, con motivo del aniversario de su nacimiento Google realizó un homenaje al artista colombiano.
Pedro Nel Gómez
En 1930 fue elegido director de la Escuela de Bellas Artes de Medellín. Sus exposiciones le ganaron gran prestigio artístico que poco a poco lo llevaron a decorar edificios públicos y a realizar proyectos urbanos. Entre estos edificios estuvo el antiguo Palacio Municipal, en donde actualmente funciona el Museo de Antioquia, donde desarrolló sus primeros murales. El contenido del mural de Las fuerzas migratorias desató gran polémica. Este mural estuvo pintado en el despacho del alcalde y en él se expuso la migración de campesinos a las grandes urbes, víctimas del desplazamiento. Estos murales se convirtieron en su obra más reconocida. Ellos son:
- La mesa vacía del niño hambriento.
- Danza del café.
- El Matriarcado.
- Tríptico del trabajo: 1. De la bordadora a los telares eléctricos; 2. El problema del petróleo y La energía; 3. El trabajo y la maternidad.
- La República.
- El minero muerto.
- Intranquilidad por enajenamiento de las minas.
- El barequeo.
- Las fuerzas migratorias.
Los once murales pintados en el Palacio Municipal despertaron la zozobra y el interés de la sociedad. El ala conservadora criticó estas temáticas. El entonces concejal de Medellín, José María Bernal estuvo en contra de ellos, los que rechazó y cuestionó desde un principio por su forma y contenido. Tras este episodio, inició la decoración de su casa, convertida posteriormente por el propio artista en museo, dando origen a una producción mural que duró hasta el final de su vida. Los murales de su casa son:
Ricardo Acevedo Bernal
Pintor y músico colombiano, fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, profesor de pintura y un reconocido retratista, fotógrafo y compositor musical. También es uno de los retratistas que usan el lapiz grafito como herramienta principal.
Estudió en el Colegio de San Bartolomé y en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Bogotá, recibió su primer premio el 20 de julio de 1883 y posteriormente viajó a Nueva York, en donde permaneció ocho años trabajando en diversos talleres de fotografía. Regresó a Colombia en 1898 para dedicarse a la pintura religiosa en diversas iglesias de Bogotá y fue profesor de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1902 viajó a París para estudiar en la Académie Julian. A su regreso obtuvo una medalla en la exposición realizada en Bogotá con motivo del centenario de la independencia. Entre 1911 y 1918 fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes y fundó la pinacoteca del Museo Nacional de Colombia. Fue autor de diversos retratos de personalidades de la historia de Colombia. Amante de la música folclórica colombiana, también compuso algunos pasillos. Se enfocaba en pintar acerca de las religiones y de la independencia. En 1928 el presidente Miguel Abadía Méndez le realizó un homenaje distinguiéndolo como "Artista Máximo". En 1929 se le nombró cónsul de Colombia en Italia, participando en la Exposición de Sevillade ese mismo año. Falleció el 7 de abril de 1930.
